美术表现手法解析
绘画艺术是人类的智慧之光，是人类精神的象征。艺术家的灵魂是其作品，因为它承载着艺术家的人生经历和感情以及精神生活的态度，体现着艺术家的本人的性格、人生观、价值观和审美情趣，蕴含着这个艺术家大量的信息。因此人类绘画作品中的核心是精神性。在绘画作品中尤其精神的力量是第一位的。许多伟大的先哲不约而同的发现，人类的原物性随着社会发展，不断冲破自身与生俱来的原物性的束缚和禁锢，升华为人类更高层次的精神性需要，反映出更高级的生存要求和内容。 具象：具体存在于空间，而且能够感知的一种形状或形态.
抽象；是一种存在的物体在人们的视觉中有很多中认定中物体的产生.当然它也会偏离真正视觉中的形态和意义. 意象：它存在于人的心里或思想里的一种感知物体或事态.但它不会展现在人们的眼前的东西.
上运动神经元从作品形象与自然对象的相似程度上去划分作品风格的概念。抽象艺术指艺术形象大幅度偏离或完全抛弃自然对象外观的艺术；具象艺术指艺术形象与自然对象基本相似或极为相似的艺术。抽象一词的本义是指人类对事物非本质因素的舍弃和对本质因素的抽取。应用在美术研究领域，抽象艺术和具象艺术构成一对相关的概念。
具象艺术作品中的艺术形象都具备可识别性。希腊的雕塑作品、近代的写实主义和现代的超级写实主义作品，因其形象与自然对象十分相似，被看作这类艺术的典型代表。具象艺术广泛地存在于人类美术活动中，从欧洲原始的岩洞壁画，到文艺复兴时代的宗教壁画；从印度的佛教艺术，到中国的画像砖石，都可以看到这类艺术作品，至今它仍是美术创作中重要的艺术风格。欧洲古代的模仿说，中国古代的应物象形说，达•芬奇等人的言论都是具象艺术有名的理论表述。抽象艺术中的形象与自然对象较少或完全没有相近之处。
代表人物：
巴尔蒂斯（原名巴尔塔扎•克洛索夫斯基）
mc许小明
波兰贵族后裔，20世纪传统绘画的集大成者，法国文艺界上层精英代表，自学成才，一辈子远离现代艺术诸潮流，晚年隐居瑞士山林。受早期文艺复兴画家弗朗切斯卡影响，一生酷爱日本、中国的古代艺术，一些画作中有明显浮世绘风格影响。风格：讲究画面语言形式的锤炼。运用特殊的材料营造出诡秘的哑剧舞台，瑰丽浑朴的画面气象，谜一样的梦境气氛。
《蛾》《画家与模特儿》《圣安德利商业街》
阿维戈多阿利卡
以列人，德兰、莫兰迪一脉精英式文人画家的继承者，当代法国具象表现领域代表画家，早年入过纳粹难民营，与著名剧作家贝克特、画家雕塑家贾克梅蒂为友。
风格：由抽象画风转向具象，强调画面的绘画性，注重画面虚实相生的关系，有朴素直率的观察感和画面组合的抽象构成感。
废墟上的鲜花
《戴红帽的安妮》《寇兰顿肖像》《六月的广场》《着橘红与蓝衣服的安妮》代表人物：
卢西恩佛洛伊德
当代著名肖像画家，英国当今最具世界影响的非主流画家，著名心理学家西蒙•佛洛伊德医生之孙，画家培根好友，并受其影响，一生致力于探寻一套新的办法与传统写实绘画相抗衡。风格：刻意于观察和运用客体所提供的表现性特征和符号，重新诠释和赋予作品中人物形象以现代哲学和心理学的某种涵义，使观者鲜明地感知到身边世界的真实性；其肖像作品既有传统内在的深沉语气和写实的力度，又有一种哲学般的冷峻思考，抽象化的符号组合与人一种既熟悉又陌生的观感。
《女孩与大白狗》《两个植物》《反射》《画家与模特儿》萨尔瓦多·达利是20世纪超现实主义画派的巨匠，一个自信而狂妄的天才：“六岁想当厨师，七岁想当拿破仑”，从此，“野心与日俱增”。达利说，“超现实主义就是我”，在超现实主义领域无人匹敌。他开创了“偏执狂批评方法”，并创作了一系列著名的形象，柔软的钟表、腐烂的驴子和聚集的蚂蚁……达利喜欢最真实地表现最不真实的物体和情景；达利自我炒作、标新立异，登峰造极。达利说，“我与疯子的惟一不同之处在于我没疯”。他创造
了一个时代的形象，那个经常在其画作中出现的“柔软的钟表”，在达利的世界里，时间第一次被质疑、被消解了……
意象表现性美术的两个角度：
1.一种是从艺术家按照“我”感觉到的样子来表现世界的角度，
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2.一种是从艺术家根据“我想”表达的意图的角度。
美术家在这类作品中往往采用了夸张、变形、重组等手法
戴帽子的妇人马蒂斯法国呐喊蒙克挪威荷石水禽图（清) 朱耷红的餐桌马蒂斯马蒂斯自己说过：“我想用块进行创作，我要象作曲家组合和声那样来组合这些平涂块。”在这幅画中，线条优雅而富有韵律，如音乐般的平涂块交相辉映，产生出平和、宁静而优雅的节奏，体现出一种人间乐园般的情调。
抽象表现主义(Abstract Expression)是二战后直到20世纪60年代早期的一种绘画流派，抽象表现主义是用来定义这样一艺术家所做出的大胆的绘画形式，他们的作品或热情奔放，或安宁静谧，是以抽象的形式表达和激起人们的情感。[1]抽象表现主义在现代艺术史上，尤其在美国艺术史上都占据了极其重要的一页，在当时人们的思想活跃，一些艺术家主张行动绘画或心理自动绘画，跨越心灵、身体与颜、画布之间的关系，用大块的、单纯的统一块，表达抽象的符号或形象。因此，那个时代个
性式样层出不穷，如出现了抽象印象主义、抽象意象主义、抽象抒情主义等许多新的具有个性的观念或风格。如波洛克(Jackson Pollock，1912～1956)、德•库宁(Willem De Kooning，1904～1997)、纽曼(Barnett Newman，1905～1970)注1和马瑟韦尔等年轻的艺术家以抽象表现主义的形式表现不同个性的绘画，他们一再强调：无论他们的艺术语言和形象是多么混乱、不雅和令人费解，他们仍然“诉说了真实，这种真实即感情的真实”。[2]
与其他艺术流派的产生一样，抽象表现主义的产生也与当时的社会和时代背景有着密切的联系。虽然抽象艺术的代表人物往往标榜他们的艺术创作是纯粹的精神活动，而实际上，美国抽象表现主义艺术从根本上说就是资本主义危机的产物，这种危机既是政治和经济的，也是精神和信仰上的。受到嬉皮士运动的影响，在60年代的美国，有相当一部分年轻人蔑视传统，有意识地远离主流社会，他们否认客观的真理和理性的价值，求诸于非理性、无意识、好冲动的人类思维的原始模式。抽象表现主义画家声称他们不接受任何意识形态的教条，只相信他们自己变化不定的内心体验和直觉，而他们的艺术正是这种心理状态的呈现。由于厌恶西方的物质文明，他们转而崇尚一切最原始的事物，用简单的形式表现复杂的思想。
抽象美术定义
「抽象」是「具象」的相对概念，是就多种事物抽出其共通之点，加以综合而成一个新的概念，此一
天空游戏宝典概念就叫做「抽象」。「抽象美术」(Abstract Painting)是泛指二十世纪想脱离「模仿自然」的绘画风格而言，包含多种流派，并非某一个派别的名称：它的形成是经过长期持续演进而来的。但无论其派别如何，其共同的特质都在于尝试打破绘画必须模仿自然的传统观念。1930年代和二次大战以后，由抽象观念衍生的各种形式，成为二十世纪最流行、最具特的艺术风格。
抽象美术是以直觉和想象力为创作的出发点，排斥任何具有象征性、文学性、说明性的表现手法，仅将造形和彩加以综合、组织在画面上。因此抽象绘画呈现出来的纯粹形，有类似于音乐之处。
抽象美术分类
抽象美术的发展趋势，大致可分为：
（1）几何抽象［或称冷的抽象］。这是以塞尚的理论为出发点，经立体主义、构成主义、新
造形主义....，而发展出来。其特为带有几何学的倾向。这个画派可以蒙德里安(Mondrian)为代表。
（2）抒情抽象［或称热的抽象］。这是以高更的艺术理念为出发点，经野兽派、表现主义发展出来，带有浪漫的倾向。这个画派可以康丁斯基［Kandinsky］为代表。
代表画家
康定斯基出生于莫斯科，父亲是茶商，幼年时期与父母居住在罗马和佛罗伦萨，后来回敖德萨。少年时起就画画，写诗，弹钢琴，拉大提琴。曾在莫斯科大学获得社会科学和法律学的学位。1896年，即康定斯基30岁时，决意学习绘画。在慕尼黑美术学院学画直到1900年，此后即开始了活跃的艺术实践活动。
康定斯基倡导即兴作画，以表现艺术家的需要。他认为精神因素是艺术中最重要的东西，艺术不是对自然的模仿或精心制作，而是内心的需要。“艺术就像自然、科学、政治一样是一个自足的领域，它受到适合自己需要的自身规律的支配”。寻这个规律正是画家终身奋斗的目标。他特别强调绘画同音乐的结合，音乐在所有的艺术种类中是最抽象的。康定斯基在《论艺术的精神》一书中详尽论述了音乐与绘画存在着的深刻联系。在康定斯基看来，绘画必须创造出一个与自然对象相和谐的新的现实。绘画中的彩犹如音乐里的音符，它本身就能够打动观众。画家以这种抽象艺术来表达自己的内心世界，在观众中唤起音乐所产生的那种难以用语言表达的艺术情感。康定斯基追求绘画的音乐感，最后发展出情绪性的抽象绘画。
康定斯基的抽象作品带有很强的个人情感，因此有人称他的艺术为“热抽象”艺术。他的抽象作品大都完全脱离了客观对象，为避免标题给观众的引导性联想，他常常像音乐作品的标题那样给自己的画取上“即兴”、“作品X号”等名称。
荷兰的蒙得里安始终想象着用最简单的美术语言要素——直线和纯组成他的画。他想让他的艺术去揭示在主观性的外形不断变化的背后隐藏着的永恒不变的实在。他自己说：“我一步一步地排除着曲线，直到作品最后只由直线和横线构成，形成十字形，……直线和横线是两相对立的力量的表现；这类对立物的平衡到处存在着，控制着一切。”他从大大小小的原块和矩形直角形状的组合中寻求所谓“表里平衡，个性和集体平衡，自然与精神、物质与意识的平衡”等。他认为这才是反映了宇宙最本质的客观法则。人们称他的这种抽象画为“冷抽象”，也称几何风格派。
《百老汇的爵士乐》是蒙德里安最著名的作品之一，也是他极少直接来自现实感受的作品之一。在这幅作品中，蒙得里安把他对纽约百老汇音乐的感受和认识用他自己的语言方式表现出来，创作出了一种视觉音乐。像铜管乐器一样明亮的黄线，在霓虹灯光般的红、蓝、灰小点的闪烁下，呈现出一种爵士乐的节奏感。我们还能感受到纽约最繁华的百老汇夜晚的嘈杂。密如蜘蛛网的垂直和水平的线条，很容易使人联想到百老汇街都是直角相交的道路。
代表作《黄与蓝的构成》（1929）、《百老汇爵士乐》（1942～43，纽约现代美术馆）。
俄国画家卡齐米尔•马列维奇（1878—1935）是“十月革命”前夕俄国“至上主义”运动的创始人之一。大约在1913年，他用铅笔在白底上画一黑方块，排除了他早年掀起的俄国立体—未来主义风格。照他自己的话说，“要把艺术从物体的重压下解放出来”。在他写的《非客观的世界》一书里，他说道：“客观世界的视觉现象本身是无意义的，有意义的东西是感觉，因而是与环境完全隔绝的，要使之唤起感觉。”马列维奇称这种观点为“至上主义”。代表作《飞机起飞》（1915，纽约现代美术馆）、《青三角形与黑长方形》（1915）。
库波卡（F.Kupka1871～1957），捷克画家。运用彩理论和音乐式和谐造成独特的几何风格，例如《绘图构成主题二》（1911～12，华盛顿国家画廊）、《垂直线语系习作》（1911）。
克利（P.Klee，1879～1940），瑞士画家。运用彩调和及抽象的手法，创作了许多含有哲理性和富稚拙趣味的作品，例如：《金鱼》（1925，油彩加水彩，纸裱在卡纸板上，48.5×68.5cm，汉堡美术馆）、《干道与支道》（1929，油画，布，83×76cm，科隆，里伯尔兹美术馆）、《死与火》(1940，油画，83×67cm，科隆，里伯尔兹美术馆)
百老汇的爵士乐（油画，127厘米×127厘米，1942—1943年，纽约现代艺术博物馆藏）蒙德里安（荷兰）
弗朗兹•克兰（1910—1962），原是专画人物和带有社会现实主义味道的城市风景画家，直至1950年之前，他仍在埋头研究伦勃朗和哥雅等人的传统绘画。1949年他开始将黑白素描运用于大型抽象构图中，创造了一种具有很强个性特的抽象画，后来，很快又趋向极端。画法基本上与波洛克同出一辙，即下意识地进行作画，但画上出现类似我国书法样子的汉字偏旁或局部笔法，然后加以放大，将这些笔道粗实的书法式图形以黑白分明的对比强烈地表现出来。openext
作这种书写式抽象画时，克兰用的是印度墨汁，后改用广告或油漆，用大刷子作画。1949年克兰画了一幅速写人像《尼金斯基》，翌年他按照这幅《尼金斯基》又画了一幅用黑迅速构成的抽象画，
黑被“舞文弄墨”地创造出一个似是而非的形象，效果极佳，使他大为欣慰。此后，他尽量加大画面，让抽象的黑笔道飞舞得极其磅礴。
白上白（油画，1918年）马列维奇（俄国）
20世纪50年代正是西方抽象艺术方兴未艾的时期，也是赵无极在艺术上的转折期。面对当时西方抽象艺术的滚滚洪流，赵无极也开始考虑自己的艺术发展道路。他最终在西方抽象艺术和中国的水墨画之间到了一个合理的结合点，形成他抒情、诗化和充满神秘感的抽象艺术，这在当时的西方艺术界独树一帜，并很快就为西方主流艺术所接受，赵无极因而成为第一位进入西方主流艺术界的华裔艺术家。赵无极艺术成就的取得无疑与他的老师林风眠和吴大羽的教导密切相关，但赵无极能自出机杼、随机应变、独辟蹊径、自成一家，这与他开阔的眼界是分不开的。赵无极的作品气势开张、意蕴深远，其形舒卷腾挪、变化自如，极尽抑扬顿挫之韵律感。但这幅作品是他晚年所作，已从他以往的激动、变化、冲突转向了
平静、和缓、沉思，真实地反映了他目前的心境。赵无极曾多次回国讲学、考察，1985年还应邀专程回到母校——当时的浙江美术学院举办了绘画讲习班，为中国当代艺术培养了许多优秀人才。
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